Resumen de Una paradoja, unas huellas y una luz: los dolores y los miedos de los músicos como ecos silenciosos de los paradigmas de la tradición musical occidental

Andrés Samper Arbeláez, Luis Fernando Valencia Rueda

• español

  Este artículo presenta algunas reflexiones sobre la paradoja que emerge en algunos músicos entre una faceta de la experiencia musical que es espontánea y anclada en el disfrute, y otra que de alguna manera ha sido contaminada por marcas de tipo físico, emocional y mental, con énfasis en el tema del miedo en la relación con la música. Encontramos una fricción entre el habitus institucional y la idiosincrasia del músico en formación que se encuentra situada de manera permanente en una “tensión intersticial” entre el canon y su propio mundo interior. Planteamos, basados en nuestra experiencia como músicos, gestores educativos y docentes, que en el sistema de educación musical formal se encuentra el origen de varias de estas huellas cuando este se vuelca demasiado hacia el producto y hacia el dominio de las habilidades y conocimientos musicales como fines, y no como medios para la expresión sensible. Este tipo de educación tiende a privilegiar el dominio técnico y analítico de los saberes canónicos y descuida el vínculo de los músicos con su propio mundo interior y la expresión de este a través de la música, y así desaprovecha la potencia de las voces individuales y pasa por alto la aparición de patologías (físicas, emocionales, mentales) que se manifiestan con diversos niveles de intensidad en las personas. Finalmente, proponemos como alternativas fortalecer la reflexión colegiada que devela los paradigmas pedagógicos naturalizados y traer a la enseñanza de la música una perspectiva somática que favorece la autoconciencia que integra cuerpo, mente y emoción, y que promueve la búsqueda de la voz propia en el contexto artístico del músico en relación consigo mismo, con el otro y con las situaciones vitales que atraviesa. Una perspectiva en cuyo centro está una pregunta permanente por el sentido del oficio: ¿para qué hacemos música?

• português

  Este artigo apresenta algumas reflexões sobre o paradoxo que emerge em alguns músicos entre uma faceta da experiência musical que é espontânea e fixada no gozo, e outra que de algum modo foi “contaminada” por marcas de tipo físico, emocional e mental, enfatizado no medo com relação à música. Sugerimos, baseados em nossa experiência como músicos, gestores educativos e docentes, que no sistema de edu-cação musical formal está a origem de vários destes rastros quando este se volta ex-cessivamente para o produto e para o domínio dos meios (técnicas, conhecimentos analíticos, etc.) como fins e não como meios para a expressão sensível. Encontramos uma fricção entre o habitus institucional e a idiossincrasia do músico em formação que está situado de maneira permanente em uma “tensão intersticial” entre o câ-non e seu próprio mundo interior. Sugerimos que este tipo de educação dirigida ao domínio técnico e analítico dos conhecimentos canônicos descuida o vínculo dos músicos com seu próprio mundo interior e a expressão deste através da música, e assim se desperdiça a potência das vozes individuais e se ignora o aparecimento de patologias (físicas, emocionais, mentais) que se manifestam com diversos níveis de intensidade nas pessoas. Finalmente, propomos como alternativa uma perspectiva somática que brinda luzes sobre o desenvolvimento da autoconsciência integrando corpo, mente e emoção, e que favorece a busca da própria voz no contexto artístico do músico em relação com si mesmo, com o outro e com as situações vitais que atra-vessa. Uma perspectiva em cujo centro está uma pergunta permanente pelo sentido do oficio: para que fazemos música?

• English

  This paper presents some reflections on the paradox that emerges in some musi-cians between a facet of the musical experience that is spontaneous and anchored in enjoyment, and another that has somehow been “contaminated” by physical, emotional and mental marks, with an emphasis on fear in the relationship with mu-sic. We propose, based on our experience as musicians, educational managers, and teachers, that, in the formal music education system, we find the origin to several of these traces when it turns too much towards the product and towards the mastery of the means (techniques, analytical knowledge, etc.) as ends and not as means for sensitive expression. We find a friction between the institutional habitus and the idiosyncrasy of the musician in training who is permanently situated in an “intersti-tial tension” between the canon and his own inner world. We propose that this type of education focused on the technical and analytical mastery of canonical knowledge neglects the link of musicians with their own inner world and its expression through music, and thus the power of individual voices is wasted and the appearance of pathologies (physical, emotional, mental) that manifest themselves with different levels of intensity in people, is overlooked. Finally, we propose, as an alternative, a somatic perspective that provides light on the development of self-awareness inte-grating body, mind and emotion, and that favors the search for one’s own voice in the artistic context of the musician in relation to himself, to others and to the life situations he goes through. A perspective in which a permanent question is at the center of the sense of the profession: Why do we make music?